Thirteen Women (And Only One Man in Town)

 

Nombre del tema: “Thirteen Women (And Only One Man in Town)”

Artista: Bill Haley & His Comets

Álbum del cual se extrajo: Single (Lado A)

Fecha de lanzamiento: 20 de Mayo de 1954 (y relanzado en Mayo de 1955 esta vez como Lado B)

Pequeña reseña histórica: Bill Haley y sus cometas fueron una banda estadounidense de rock and roll, surgida en 1952 que continuó hasta la muerte de Haley en 1981. Desde finales de 1954 hasta finales de 1956, el grupo colocó nueve singles en el Top 20, uno de ellos el número uno y tres más en el Top Ten. El sencillo "Rock Around the Clock" se convirtió en el disco simple de rock and roll más vendido en la historia del género. Pero lo más importante, se lo considera como el bautismo de fuego del Rock and Roll. Por supuesto que hay todo un debate acerca de cuál fue la primera canción del estilo, y todas son anteriores. El tema que nos convoca, “Thirteen women” traducida como “13 mujeres (y un solo hombre en el pueblo)” lejos de lo que se piensa, no es el lado B de “Rock alrededor del reloj”, sino todo lo contrario. Lo que sucedió fue que cuando se editó originalmente no sucedió gran cosa. Pero cuando en 1955 fue incluída en la apertura del film “Blackboard Jungle” (me refiero al del Reloj, no a las 13 mujeres), la gente se volvió literalmente loca, bailando en los cines, y rompiendo las butacas a puro frenesí. Y el film, que recomiendo, era revolucionario para la época y todo un desafío generacional, de hecho, cuando uno la mira entiende el por qué (hay una escena en la que un profesor pone en plena clase un disco de Jazz en el tocadiscos, y el alumnado de lo más bullanguero destroza la colección de vinilos. La escena lastima y duele a melómanos como yo, pero es una metáfora muy precisa de lo que estaba sucediendo con la fundación del Rock and Roll. Volviendo a la canción “Thirteen women”, se imaginan lo que puede pasar si hoy a algún artista se le ocurriera sacar un tema con ese nombre? No hace falta explicar lo que el nombre completo de la canción sugiere, verdad?. Evidentemente, cuando el género estaba en pañales era más machista que nunca.

El dato autorreferencial: De adolescente compré un compilado de Bill Haley en vinilo, que me encantaba. Obviamente tenía los dos temas que mencioné, y también “Shake, Rattle & Roll”, “Rip it up”, “Razzle Dazzle”, y otras. Y por ese entonces me prestaron un cassette también recopilatorio, con temas repetidos y otros nuevos, pero era en vivo. Cuando me lo prestó, Germán Bajlis, me dijo, escuchate “Encuadrado”. Como no lo ví nunca más, porque al poco tiempo se fue a vivir a Israel, si llegás a leer este texto, sabé que lo conservo, listo para devolver, aunque tengo mis serias dudas de que tengas dónde escucharlo. Pasaron 33 años, y la revolución esta vez, no fue musical, sino tecnológica.

https://www.youtube.com/watch?v=hOSGEEswmqQ

Double Dutch Bus

 

Nombre del tema: “Double Dutch Bus”

Artista: Frankie Smith

Álbum del cual se extrajo: Children of Tomorrow

Fecha de lanzamiento: 22 de Febrero de 1981

Pequeña reseña histórica: Franklyn Leon Smith (1953 - 8 de marzo de 2019) (Se ruega encarecidamente no confundirlo con “nuestro” Francis Smith, el creador de “De boliche en boliche” y “Zapatos rotos” entre otras delicias que en este espacio jamás podrán degustar) fue un músico funk estadounidense y compositor de R&B  y Soul. Fue mejor conocido por su sencillo de 1981 "Double Dutch Bus” (Autobús holandés) que es el que compartí en el día de ayer. Con este sencillo, Smith popularizó una forma de jerga sin sentido en la que "iz" se coloca en el medio de una palabra (por ejemplo, la palabra "lugar" se convierte en "pl iz ace"), o las últimas letras de una palabra se reemplazan con " -izzle " (por ejemplo, seguro se convierte en sh izzle ). El estilo se convirtió en parte de la jerga del hip-hop y fue popularizado por los rapperos Snoop Dogg y E-40.

Y un dato de color: en el documental de National Geographic "King of Coke: Living the High Life", Frankie Smith explica cómo se compuso la canción. También afirma que WMOT Records no le pagó sus regalías y, por lo tanto, cómo no pudo pagar sus impuestos. Se inició una investigación que sacó a la luz que WMOT Records no solo estaba mal administrado, sino que de hecho lavaba dinero para Larry Lavin , también conocido como Dr. Snow, un dentista que secretamente traficaba cocaína. Debe haber sido la primera vez en la historia, que estafaban a un hombre de color (es un chiste, aclaro por las dudas).

El dato autorreferencial: Conocí este tema prácticamente cuando salió, a través de un cassette que sonaba en el auto, cuando tenía diez u once años. Me acuerdo que era un “Varios intérpretes” que se llamaba “Star Show Golden” o “Star Show Platinum” y eran muy berretas (los sacaba ATC Records, sí el de Argentina Televisora Color, que también editaba entre otros, a Los Parchis y a Riff). Recuerdo que la primera vez que la escuché me pareció vomitiva, porque en ese entonces estaba escuchando y descubriendo a Los Beatles. Pero con el correr del tiempo, y ya de grande, me encontré pensando cómo se llamaba ese tema…?, hasta que lo encontré. Y también me suena que la pasaban en alguna publicidad de TV en los ochentas, sobre todo la parte instrumental media. En fin, me parece que no podía faltar, y pido disculpas si alguno interpreta que no entra dentro de la categoría de gema.

https://www.youtube.com/watch?v=fK9hK82r-AM

I Take What I Want

 

Nombre del tema: “I Take What I Want”

Artista: The Hollies

Álbum del cual se extrajo: Would you believe?

Fecha de lanzamiento: 1º de Junio de 1966

Pequeña reseña histórica: The Hollies es un grupo de rock británico mejor conocido por su estilo pionero y distintivo de armonía vocal en tres partes. Se convirtieron en uno de los principales grupos británicos de la década de 1960 y hasta mediados de la década de 1970. La banda fue formada por Allan Clarke y Graham Nash en 1962 como un grupo de música de tipo Merseybeat en Manchester, aunque algunos de los miembros de la banda vinieron de ciudades más al norte. Graham Nash dejó el grupo en 1968 para formar Crosby, Stills & Nash.

Disfrutaron de una considerable popularidad en muchos países (con al menos 60 singles o EP y 26 álbumes en las listas en algún lugar del mundo, que abarca más de cinco décadas), aunque no lograron un gran éxito en las listas de Estados Unidos hasta que se lanzó "Bus Stop" en 1966. Tuvieron más de 30 singles en el UK Singles Chart y 22 en el Billboard Hot 100 de USA. Pero en los sesentas casi siempre llegaban hasta el número dos o tres de los rankings. Tuvieron “mala suerte” porque existían Los Beatles y Los Rolling Stones.

Los Hollies son uno de los pocos grupos del Reino Unido de principios de la década de 1960, junto con los Stones, que nunca se han disuelto y continúan grabando y tocando, aunque con numerosos cambios en su formación.

El dato autorreferencial: Los conocí como a tantos grupos excelentes de los sesentas, gracias al documental “British Invasion” y al programa de radio “Lote Rock” conducido por el gigante Julio Guichet, que era el único que hacía una cronología del Rock, y no “pisaba” los temas, para que los oyentes, cassette en mano, pudiéramos grabar, porque en los ochentas, sin internet, e-mule o spotify, si no tenías los discos, era dificilísimo acceder a semejante tesoro. Luego, en los noventas, pude, de a poco, acceder a los discos que me faltaban escuchar, porque su discografía es extensa, y como en el caso de The Kinks, y sobre todo en la primera década de su carrera, cuentan con muchos disquitos simples que no incluían en sus álbumes, y las dos caras de las plaquitas eran y son buenísimas. El tema elegido (podría poner más de cincuenta piezas, y ninguno defrauda) es el que abre el cuarto álbum de la banda, y es mi preferido, aunque aún tiene muchos covers. Pero los temas de su autoría son increíbles, aunque todavía firmaban bajo el seudónimo de Ransford (les daba algo de pudor poner sus nombres, frente a la monumentalidad de Lennon y McCartney). Y las armonías vocales eran tremendas aunque por momentos sonaran algo agudas y estridentes. Fue después de este disco que grabaron el single “Bus Stop” que fue una de las primeras canciones que conocí de ellos, junto con “Just one look”, aunque esta es de sus comienzos.

https://www.youtube.com/watch?v=iTJF7EB38MU

Superman

 

Nombre del tema: “Superman”

Artista: The Ides of March

Álbum del cual se extrajo: Single (Lado A)

Fecha de lanzamiento: Julio de 1970

Pequeña reseña histórica: The Ides of March es una banda de rock estadounidense que tuvo un gran éxito en los Estados Unidos y el Reino Unido con la canción "Vehicle" en 1970. El tema de hoy, Superman, fue el sencillo que le sucedió, y sigue en el mismo estilo de Vehicle, pero sin llegar a ser un suceso. Después de un paréntesis en 1973, la banda regresó con su formación original en 1990 y ha estado activa desde luego. Con siete sencillos y un álbum importante, se podría decir que Superman los salva de ser la típica “One hit Wonder” que traducido vendría a ser la banda de un solo hit.

El dato autorreferencial: Siempre sostuve y sigo sosteniendo que 1969 es el mejor año en cuanto a ediciones discográficas se refiere. Pero cuando me puse a investigar el año siguiente, el que abre la siguiente década, descubrí que hay unos lanzamientos verdaderamente impresionantes. Y este es el caso, aunque al elegir este tema menor de esta banda, reconozco que lo hice en calidad de efeméride, porque se cumplen 50 años de su edición. Y no quería seleccionar temas que son muy obvios que también fueron editados en ese mes de Julio de 1970, como ser, “Sex Machine” de James Brown, “Lola” de The Kinks, “Looking out my back door” de Creedence, o “Summertime Blues” de The Who. Como verán, no cuento con dato personal con respecto a esta banda, pero en un acto sin precedentes, voy a relatar una viñeta en relación al superhéroe al que le dedicaron la canción. Resulta que en la escuela primaria, tenía un amigo que era archifanático de Superman, y coleccionaba las revistitas de Marvel. Siempre que iba a la casa, abría orgulloso un placard y allí aparecía una flamante colección bastante abundante de esas revistas que atesoraba como si de un diamante se tratara. Y tuvo razón, porque con el correr del tiempo, iban cotizándose cada vez más. Hoy deben valer lo que cuesta un auto usado. Pero Fabián, también tenía y sigue teniendo una imaginación impresionante, sin llegar a la mitomanía, pero hay que estar atentos cuando te cuenta una hazaña, porque la exageración se le filtra. Pero volviendo a mi tierna infancia, había otro que le ganaba en ese terreno, el ya legendario Daniel Morcovisi, que en un recreo del colegio, nos descerrajó sin repetir y sin soplar que había encontrado la fórmula para convertirse en Superman, que le daba una fuerza sobrenatural, en base a exactas mezclas de distintas plasticolas, en lo posible las Paco Pega, que venían con una galera de tapa. Muchos le creimos, e hicimos unos verdaderos enchastres una vez en nuestro hogar, para terminar descubriendo que los superhombres sin capa seguía siendo nuestros padres, cuando nos daban una tunda por armar semejante despelote (en este último párrafo, el que exageré fui yo, pero no me van a negar que es una super anécdota).

https://www.youtube.com/watch?v=hN347pMCO4w

400 HP

Nombre del tema: “400 HP”

Artista: Bingo Reyna

Álbum del cual se extrajo: Bingo Reyna y su Guitarra de Fuego

Fecha de lanzamiento: 1967

Pequeña reseña histórica: Alberto Kreimerman (Paternal, Buenos Aires, Argentina) más conocido con el nombre artístico de Bingo Reyna es un músico y cantante argentino. Estudió de chico música clásica a pesar que sus padres querían que siguiera otra carrera, y se inició en el grupo musical Los Bemoles, tocando la guitarra.

Excelente guitarrista, fue integrante del grupo Jackie y los Ciclones,​ donde lo contratan para que toque la segunda guitarra, para luego ser el primer guitarrista. Al alejarse formó con integrantes del grupo Las Sombras Rojas su propio conjunto: Beto y los Huracanes, grabando en el sello Disc Jockey temas instrumentales y cantados donde la primera voz fue Cacho Castaña con el nombre artístico de Giuliano. Luego llegaría la oportunidad de ser guitarrista solista y así es bautizado con el nombre de “Bingo Reyna y su conjunto”, grabando varios discos larga duración hasta finales de los años 60.

Luego grabó varios discos como solista, interpretando los grandes temas del momento, música brasileña, hawaiiana, etc. También es conocido como "El gigante de la guitarra". Actualmente está dedicado a la fundación Hermes Music que creó hace 24 años en Estados Unidos en la ciudad de Mc.Allen, Texas y que comenzó como una tienda de instrumentos musicales pero que finalmente le permitió cumplir su sueño de estar siempre sensible a las desigualdades sociales y comprometido profundamente con el amor. Cuando la tienda empieza a tener sus primeros frutos de éxito y se expande por la frontera norte de los United States, es cuando Alberto Kreimerman, toma la firme decisión de que una parte de las ganancias las destinará a la compra de juguetes para niños pobres de las comunidades de Reynosa Tamaulipas en la frontera norte de México.

El dato autorreferencial: Supe de él, hace muy poquito, en plena cuarentena, a raíz de una charla telefónica con mi amigo José Kameniecki, que además de ser un gran escritor y psicoanalista, sabe muchísimo de música de la mejor, la de las décadas del sesenta y setenta, pero por una cuestión generacional, él la vivió mientras transcurría.

Es por eso que en esta ocasión, le cedo la palabra para que la relate en primera persona:

“A la vuelta de mi casa de la infancia, sobre la avenida Juan B. Justo había una gomería que daba a la calle. El dueño de la misma vivía con su familia en un PH, en el primer piso con su mujer y sus dos hijos Reynaldo y Beto, y aunque no recuerdo bien el año, quizás estemos hablando de 1961. Cuando mi hermano y yo nos enteramos que una noche en esa casa iba a haber un ensayo, pedimos permiso para entrar y ahí lo vimos a Beto, vestido con un saco multicolor, peinado con jopo y brillantina, que tocaba la guitarra eléctrica como los dioses. Era la primera vez que veíamos una guitarra eléctrica en vivo y quedamos deslumbrados –tocó “Jinetes en el cielo” y el “Hava Naguila”. En ese instante, nos enteramos que el nombre artístico de Beto era Bingo Reyna. Reyna, era el nombre de su madre, y constituía una especie de homenaje en vida, aunque ahora que lo pienso, probablemente se trate de algo que habría que estudiar a la luz del complejo de Edipo. Hace un par de años lo busqué en Wikipedia y leí su biografía, que no conocía, y hace menos de un mes se lo conté a Esteban preguntándole si lo iba a incluir en la historia del rock que está escribiendo y ahora, aceptando el convite, me encuentro concluyendo esta viñeta”.

Hablando del tema escogido, es todo un misterio el nombre del tema: 400 HP. Qué habrá querido decirnos el autor? A mí me remite a un sketch inolvidable del entrañable programa Todo por dos pesos que daban hace 20 años por TV, cuando todavía se podía ver algo decente.

https://www.youtube.com/watch?v=7TvwOV30VII

Black Magic Woman

Nombre del tema: “Black Magic Woman”

Artista: Santana

Autor de la canción: Peter Green

Álbum del cual se extrajo: Abraxas

Fecha de lanzamiento: 23 de Septiembre de 1970

Pequeña reseña histórica: Santana es una banda de rock estadounidense formada en San Francisco en 1966 por el guitarrista y compositor mexicano-estadounidense Carlos Santana. La banda ha hecho múltiples grabaciones y presentaciones en su historia, con Carlos Santana como único miembro consistente. Santana tuvo un éxito temprano con su aparición en Woodstock en 1969 y sus primeros tres álbumes, Santana (1969), Abraxas (1970) y Santana III (1971).

Después de su éxito inicial, Santana experimentó con elementos de fusión de jazz en Caravanserai (1972), Welcome (1973) y Borboletta (1974). Santana alcanzó un nuevo pico de éxito comercial y crítico con Supernatural (1999) y sus singles "Smooth", con el cantante Rob Thomas y "Maria Maria". El álbum alcanzó el número 1 en once países y vendió 12 millones de copias en los Estados Unidos. En 2014, la formación "clásica" se reunió para Santana IV (2016) y el grupo continúa actuando y grabando. Eso en cuanto al grupo que interpreta esta famosísima pieza. Pero ¿qué podemos decir de su autor, que acaba de fallecer mientras dormía, hace dos días, a los 73 años?

Peter Green (nacido Peter Allen Greenbaum; 29 de octubre de 1946 - 25 de julio de 2020) fue un cantautor y guitarrista de blues rock inglés. Como fundador de Fleetwood Mac , fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998. Canciones de Green, como "Albatross", "Black Magic Woman", "Oh Well", aparecieron en las listas de singles, y varios han sido adaptados por una variedad de músicos. Estaba interesado en expresar emoción en sus canciones, en lugar de mostrar lo rápido que podía tocar. Él ha sido elogiado por sus ritmos aleatorios y frases conmovedoras, y ha favorecido el modo menor y sus implicaciones de blues más oscuro. Su tono distintivo se puede escuchar en "The Supernatural", un instrumental escrito por Green para John Mayall y el álbum de los Bluesbreakers de 1967 “A Hard Road”. Esta canción demuestra el control de Green de la retroalimentación armónica. El sonido se caracteriza por un vibrato tembloroso, tonos de corte limpios y una serie de notas sostenidas de diez segundos. Estos tonos fueron logrados por la retroalimentación de control de Green en una guitarra Les Paul. Lamentablemente y por causa del consumo del LSD, tuvo problemas psiquiátricos, que lo llevaron a abandonar Fleetwood Mac a fines de los años sesenta, y tiempo más tarde se consagraría como una banda Pop super-ventas, pero eso sucedería en 1977.

En junio de 1996, Green fue elegido el tercer mejor guitarrista de todos los tiempos en la revista Mojo.

El dato autorreferencial: Supe de él, leyendo la historia de Fleetwood Mac, y después compré en vinilo “Then play on” de 1969. También supe que surgió de ese semillero que fueron Los Bluesbreakers de John Mayall, donde también salieron monstruos como Eric Clapton, Mick Taylor, Jack Bruce ó Ginger Baker, por nombrar a los más importantes. Y elegí Black Magic Woman porque es mi preferida.

https://www.youtube.com/watch?v=axbtig7w7a8

Glad Tidings

Nombre del tema: “Glad Tidings”

Artista: Van Morrison

Álbum del cual se extrajo: Moondance

Fecha de lanzamiento: 27 de Enero de 1970

Pequeña reseña histórica: George Ivan "Van" Morrison (nacido el 31 de agosto de 1945) (es decir que cuenta con 74 años), es un cantante, compositor, instrumentista y productor discográfico irlandés del norte. Su carrera profesional comenzó cuando era adolescente a fines de la década de 1950, tocando una variedad de instrumentos que incluyen guitarra, armónica, teclados y saxofón para varias exhibiciones irlandesas, haciendo covers de los éxitos populares de esa época. Van Morrison saltó a la fama a mediados de la década de 1960 como cantante principal de la banda de R&B y rock del norte de Irlanda, Them, con quien grabó el clásico de la banda de garaje "Gloria". Su carrera en solitario comenzó en 1967, bajo la guía orientada al éxito pop de Bert Berns con el lanzamiento del sencillo "Brown Eyed Girl". Después de la muerte de Berns, Warner Bros. Records compró su contrato y le permitió tres sesiones para grabar Astral Weeks (1968). Aunque este álbum gradualmente recibió grandes elogios, inicialmente no vendió ni medio.

Morrison tiene fama de ser terco, idiosincrásico, y sublime. Sus actuaciones en vivo en su mejor momento son vistas como trascendentales e inspiradas, mientras que algunas de sus grabaciones, como los álbumes de estudio “Astral Weeks” y “Moondance” , y el álbum en vivo “It's Too Late to Stop Now”, son muy aclamados.

Moondance (1970) estableció a Morrison como un artista importante, y construyó su reputación a lo largo de la década de 1970 con una serie de aclamados álbumes y actuaciones en vivo. Continúa grabando y haciendo giras, produciendo álbumes y actuaciones en vivo que se venden bien y generalmente son bien recibidos, a veces colaborando con otros artistas, como Georgie Fame y The Chieftains. En 2016 fue nombrado Caballero por la corona, y sus fans lo conocen con el apodo de “Van the Man”

El dato autorreferencial: Otra vez te la debo

https://www.youtube.com/watch?v=EW2TfQsSA7Q

Whispers (Gettin' Louder)

Nombre del tema: “Whispers (Gettin' Louder)”

Artista: Jackie Wilson

Álbum del cual se extrajo: Whispers

Fecha de lanzamiento: Agosto de 1966

Pequeña reseña histórica: Jack Leroy Wilson Jr. (9 de junio de 1934 - 21 de enero de 1984) fue un cantante e intérprete estadounidense de música Soul. Un tenor con un rango de cuatro octavas, Wilson fue una figura prominente en la transición del Rythm & Blues al Soul. Fue considerado un maestro del espectáculo y uno de los cantantes e intérpretes más dinámicos en la historia del Pop, R&B y Rock & Roll, ganando el apodo de "Mr. Excitement" (se podría traducir como Sr. Emoción). En cuanto a su vida personal, parece ser que tenía fama de tener mal genio y de ser promiscuo.  En febrero de 1961, en Manhattan, Wilson recibió un disparo de una fan llamada Juanita Jones. Sin embargo, Jones era una de sus novias, y le disparó en un ataque de celos, después de que él regresó a su apartamento en Manhattan con otra mujer, la modelo de moda Harlean Harris, una ex novia de Sam Cooke. La agencia de Wilson supuestamente inventó la historia de que ella era una fanática celosa para proteger la reputación de Wilson. Afirmaron que Jones era una fan obsesionada, que había amenazado con pegarse un tiro, y que la intervención de Wilson resultó en su disparo. Este le impactó en el estómago; la bala resultó en la pérdida de un riñón y se alojó demasiado cerca de su columna vertebral, por lo que tuvo que ser operado.

Su era dorada va de 1957 a 1975, es decir, casi toda su carrera, con intermitencias. Sin embargo a mediados de los setentas, el cantante tenía la costumbre de tomar un puñado de tabletas de sal y beber grandes cantidades de agua antes de cada actuación, para crear una sudoración profusa. Wilson le dijo a Elvis Presley cuando compartían cartel en Las Vegas: "A las chicas les encanta". Pero un efecto secundario fue la hipertensión. El 29 de septiembre de 1975, Wilson fue uno de los actos destacados en un especial de Dick Clark, organizado por el Casino Latino en Cherry Hill, Nueva Jersey. Estaba cantando "Lonely Teardrops" cuando sufrió un ataque cardíaco masivo. Mientras decía las palabras "Mi corazón está llorando", se desplomó en el escenario; los miembros de la audiencia aplaudieron ya que inicialmente pensaron que era parte del acto. Clark sintió que algo andaba mal, luego ordenó a los músicos que detuvieran la música. Cornell Gunter de “Los Posavasos” , que estaba detrás del escenario, notó que Wilson no respiraba. Gunter pudo resucitarlo y Wilson fue trasladado a un hospital cercano. 

El personal médico trabajó para estabilizar los signos vitales de Wilson, pero la falta de oxígeno en su cerebro lo hizo entrar en coma. Se recuperó brevemente a principios de 1976, e incluso pudo dar algunos pasos tambaleantes, pero volvió a caer en un estado semi-comatoso . El amigo de Wilson, su compañero cantante Bobby Womack , planeó un show a beneficio en el Hollywood Palladium para recaudar fondos el 4 de marzo. Wilson fue considerado consciente pero incapacitado a principios de junio de 1976, incapaz de hablar pero consciente de su entorno. Wilson era residente del Centro de Retiro Medford Leas en Medford, Nueva Jersey, cuando ingresó en el Hospital Memorial de Nueva Jersey, debido a que tenía problemas para alimentarse. Lo que parecía ser una buena noticia, en relación a su recuperación, se transformó en un drama, porque Wilson murió el 21 de enero de 1984, a los 49 años de edad por complicaciones de neumonía, casi nueve años después del infarto en el escenario.  

El dato autorreferencial: En los noventas, en una de mis tantas visitas a Musimundo, cuando se pusieron de moda los box sets (cajas con cuatro cds y libro con material inédito), me llamó la atención una que se llamaba Mr. Excitement de Jackie Wilson, y me acuerdo que pensé “¿Y a este quién lo juna?”. “Debe ser importante porque lanzaron la caja”. A partir de allí y en cuentagotas fui descubriendo temas muy buenos como el de hoy, aunque también debo reconocer que algunos me resultan soporíferos.

https://www.youtube.com/watch?v=8RlPtqP4Dw0

The American Ruse

Nombre del tema: “The American Ruse”

Artista: MC5

Álbum del cual se extrajo: Back in the USA

Fecha de lanzamiento: 15 de Enero de 1970

Pequeña reseña histórica: MC5 fue una banda de rock estadounidense de Lincoln Park, Michigan , formada en 1964, (aunque arrancan discográficamente en 1969 con un disco en vivo). La formación original de la banda consistía en el vocalista Rob Tyner , los guitarristas Wayne Kramer y Fred "Sonic" Smith , el bajista Michael Davis y el baterista Dennis Thompson . Se los considera catalogados como uno de los grupos de hard rock americanos más importantes de su época. Sus tres álbumes son considerados por muchos como clásicos, y se hicieron muchos covers de su tema "Kick Out the Jams". Otra muy conocida es "High School”.

Cristalizando el movimiento de contracultura en su forma más volátil y amenazante, los lazos políticos izquierdistas del MC5 y las letras y música anti-stablishment los posicionaron como innovadores emergentes del movimiento punk en los Estados Unidos. Ellos fueron el Punk antes del Punk, junto con The Stooges de Iggy Pop. Su estilo ruidoso y enérgico de rock and roll de regreso a lo básico, incluía elementos de Garage rock, Hard rock, Blues rock y Rock psicodélico.

El dato autorreferencial: Hoy te lo debo

https://www.youtube.com/watch?v=oTOvHcDWNkg

Sweetie Pie

Nombre del tema: “Sweetie Pie”

Artista: Eddie Cochran

Álbum del cual se extrajo: Single póstumo (Lado A)

Fecha de lanzamiento: Octubre de 1960

Pequeña reseña histórica: Ray Edward Cochran ( 3 octubre de 1938 - 17 abril de 1960) fue un rockero estadounidense. Sus canciones "Twenty Flight Rock", "Summertime Blues", "C'mon Everybody" y "Somethin 'Else", capturaron la frustración y el deseo de los adolescentes a mediados de los años cincuenta y principios de los sesenta. Tocaba la guitarra, el piano, el bajo y la batería. Su imagen de joven bien vestido y atractivo, con una actitud rebelde personificaba la postura del rockero de los años 50, y en la muerte alcanzó un estatus icónico. Su primer éxito llegó cuando interpretó la canción "Twenty Flight Rock" en la película The Girl Can't Help It en 1957, protagonizada por Jayne Mansfield. Poco después, firmó un contrato de grabación con Liberty Records. Y un detalle no menor: ese mismo año, cuando John Lennon y Paul McCartney se conocieron, éste interpretó la citada canción de Cochran para impresionar al joven Lennon, y vaya que lo logró.

Eddie Cochran murió a los 21 años después de un accidente de tráfico, mientras viajaba en un taxi en Chippenham , Wiltshire, durante su gira británica en abril de 1960. Acababa de actuar en el teatro Hippodrome de Bristol (hoy se sabe que unos jóvenes y desconocidos Beatles estuvieron entre el público). Aunque sus canciones más conocidas fueron lanzadas durante su vida, muchas de sus canciones fueron editadas póstumamente. De hecho, es el caso de “Sweetie Pie”. En 1987, Cochran fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Sus canciones han sido grabadas por una gran variedad de artistas de grabación, entre los que se cuentan The Who y Paul McCartney.

 

El dato autorreferencial: Supe de él cuando tenía catorce años, y lo ví en el documental “The Compleat Beatles” interpretando “Cmon everybody”, cuando al comenzar muestran las influencias que tuvieron los Fab Four. Nada más.

https://www.youtube.com/watch?v=q945mei3hBE

Lady Samantha

Nombre del tema: “Lady Samantha”

Artista: Elton John

Álbum del cual se extrajo: Single (Lado A)

Fecha de lanzamiento: Enero de1969

Pequeña reseña histórica: Sir Elton Hercules John (nacido Reginald Kenneth Dwight; 25 de marzo de 1947) (73 años) es un cantante, compositor, pianista y compositor inglés. Colaborando con el letrista Bernie Taupin desde 1967 en más de 30 álbumes, John ha vendido más de 300  millones de discos, convirtiéndolo en uno de los artistas musicales más vendidos. Arrancó profesionalmente en el grupo Bluesology siendo muy purrete en 1962, pero la década del sesenta definitivamente no iba a ser su momento. Si bien su carrera solista arranca en el mes de marzo de1968, con la edición de tres singles (el segundo es el que nos convoca) y un primer álbum (“Empty sky”), no pasa naranja. Pero apenas comienza la nueva década, la suerte que venía siendo tan esquiva, se transforma radicalmente. Su segundo álbum, titulado sencillamente “Elton John” (Abril de 1970) es una colección de temas impresionantes, entre los cuales se destaca “Your song”, su primer gran clásico, que la va a romper recién al finales de ese año.A partir de allí, su ascenso será maratónico, con una seguidilla de álbumes, uno mejor que el otro. De hecho esa colección de los primeros setentas, contienen pequeñas sinfonías pop, que más allá de sus temas más radiados, vale la pena detenerse a escuchar con atención esos discos. Y hablando de atención, el artista se dedica cada vez con más ahínco a llamar la atención de su público, creando un personaje con atuendos cada vez más estrafalarios, semejando por momentos un personaje de historieta. Su historia está muy bien contada en la reciente biopic “Rocket man” (2019) que más que una biografía, resulta en un musical que es una fiesta visual y sonora, con una actuación brillante de Taron Egerton en el papel de Elton. Con la ruptura de la exitosa sociedad compositiva con Bernie Taupin y el abuso de las drogas, alcohol, sexo y compras compulsivas, su carrera se desbarranca, aunque nunca dejó de sacar un elepé tras otro. En los primeros ochentas hay un renacimiento de su carrera, donde destaca “Too low for zero” de 1983, y salvo ciertas intermitencias, no paró más, con nuevos éxitos para su ya nutrida colección.

El dato autorreferencial: Tal como me sucedió con Stevie Wonder, primero conocí algunos de sus éxitos ochentosos como “I´m still standing”, “Sad songs say so much” o “Nikita”. En 1984 compré en una disquería del centro, “Too low for zero” (que volví a comprar en Los Angeles, seis años más tarde, pero en su versión de vinilo). Lo que sucedió fue que en una casa de discos californiana llamada “Moby disc” vendían muchos discos de Elton al valor de un dólar cada uno, y los discos estaban impecables. Me compré entre cinco y siete, y después entendí que la oferta tenía que ver con que las tapas tenían una pequeña marquita, y ese factor le restaba mucho valor. Pero el que más me gustaba era uno que compré en cassette, “Don´t shoot me, I´m only the piano player” de 1972. Y así es cómo descubrí que el de los setentas es el mejor Elton. Es cierto que ya lo había visto actuando en “Tommy” de los Who, haciendo “Pinball Wizard” (era y sigue siendo una de mis películas favoritas) y también conocía de adolescente, su colaboración con John Lennon en “Whatever gets you throu the night” del álbum solista de Lennon "Walls and bridges” de 1974, que grabaron juntos, a instancias de Elton, que le jugó una apuesta, diciéndole que si llegaba a ser número uno, iría de invitado a un show suyo (Elton estaba en el mejor momento de su carrera, y no era el caso del ex beatle). Y se terminó cumpliendo, por lo que Lennon que era un hombre de palabra, saldó su deuda. El resultado (que lamentablemente no existe un documento audiovisual decente) se plasmó en un disco que ya había visto en algunas bateas, uno de tapa negra llamado “John Lennon - Elton John”, y en mi ignorancia de entonces pensé que se trataba de una truchada. Por lo que respecta a lo que hizo Elton John desde 1989 hasta nuestros días me suele aburrir soberanamente.

https://www.youtube.com/watch?v=03BHe--r59o